Disney

• Introduzione
• Capitolo 1 I primi anni: da Chicago a Hollywood
• Capitolo 2 Le Alice Comedies e l'alba di uno studio
• Capitolo 3 Oswald il coniglio fortunato e una lezione sulla proprietà
• Capitolo 4 La nascita di un'icona: Topolino e Steamboat Willie
• Capitolo 5 Sinfonie allegre e l'innovazione del suono e del colore
• Capitolo 6 Biancaneve e i sette nani: un film rivoluzionario
• Capitolo 7 L'età dell'oro: Pinocchio, Fantasia e Dumbo
• Capitolo 8 Gli anni della guerra: contributo e requisizione
• Capitolo 9 Una rinascita dopoguerra: Cenerentola e le avventure in live-action
• Capitolo 10 Il sogno di Disneyland: inventare il parco a tema
• Capitolo 11 Il Regno Magico in televisione: Disneyland e The Mickey Mouse Club
• Capitolo 12 Mary Poppins e l'apice di una carriera
• Capitolo 13 Il Progetto Florida: la visione per Walt Disney World
• Capitolo 14 Un mondo senza Walt: la fine di un'era e un nuovo inizio
• Capitolo 15 L'era Eisner: una rinascita aziendale
• Capitolo 16 Il Rinascimento Disney: una nuova età dell'oro dell'animazione
• Capitolo 17 Espandere il Regno: Euro Disney e nuove iniziative
• Capitolo 18 La frontiera digitale: l'ascesa di Pixar e un nuovo tipo di animazione
• Capitolo 19 Un nuovo secolo: acquisizioni e adattamenti
• Capitolo 20 L'effetto Iger: Marvel, Lucasfilm e un impero in crescita
• Capitolo 21 Le guerre dello streaming: il lancio di Disney+
• Capitolo 22 Navigare una pandemia: sfide e innovazioni
• Capitolo 23 L'acquisizione di Fox: un gigante dei media diventa più grande
• Capitolo 24 Una celebrazione centenaria: 100 anni di magia
• Capitolo 25 Il prossimo capitolo: la visione di Disney per il futuro

Dire che la Walt Disney Company è un'istituzione americana è, sotto molti aspetti, un eufemismo. Per oltre un secolo, le sue storie, i suoi personaggi e i suoi parchi a tema si sono intrecciati profondamente nel tessuto della vita americana e, in effetti, della cultura globale. È un nome che evoca una risposta emotiva potente e immediata, una "reazione chimica", come l'ha definita una volta l'attuale CEO Bob Iger. Per miliardi di persone, la parola "Disney" evoca una cascata di immagini: un topo con i pantaloncini rossi, una scarpetta di vetro su una scalinata di castello, un'astronave che salta nell'iperspazio, o l'iconica sagoma di un castello da fiaba contro un cielo crepuscolare. Questi sono molto più che semplici loghi aziendali o identificatori di prodotto; sono punti di riferimento culturale, segni d'infanzia e diffusori di una particolare, potente marca di nostalgia aspirazionale. L'azienda non si è limitata a intrattenere; ha attivamente plasmato e riflettuto la "Via Americana", presentando una visione di ottimismo, innovazione e valori delle piccole città che ha risuonato per generazioni.

Questo libro, "Disney: Ritratto di un'azienda americana", si propone di tracciare la straordinaria traiettoria di questo gigante dell'intrattenimento. È la storia di come una piccola casa di animazione, fondata nel 1923 da due fratelli nel retro di un ufficio immobiliare, si sia evoluta in uno dei conglomerati mediatici più grandi e influenti del mondo. Il viaggio inizia il 16 ottobre 1923, quando Walter Elias Disney e suo fratello, Roy Oliver Disney, fondarono il Disney Brothers Cartoon Studio. Armati di poco più che ambizione e un contratto per una serie di cortometraggi chiamati "Alice Comedies", posero la prima pietra di un impero. Questa narrazione cronacherà la crescita dell'azienda, i suoi periodi di creatività rivoluzionaria, i suoi momenti di crisi e rinascita, e la sua influenza sempre crescente su ciò che guardiamo, come giochiamo e le storie che raccontiamo ai nostri figli.

I primi capitoli approfondiranno i miti fondativi e le cruda realtà degli anni formativi dello studio. Esploreremo il trasferimento di Walt Disney da Kansas City alla California dopo il fallimento della sua prima impresa, lo Laugh-O-Gram Studio, un insuccesso che gli instillò una fiera determinazione a controllare il proprio destino creativo. Questa risolutezza fu messa alla prova in modo celebre con la perdita del suo primo personaggio cartoon di successo, Oswald il Coniglio Fortunato, una dolorosa lezione sui diritti di proprietà intellettuale che portò direttamente alla creazione di un sostituto. Quel sostituto, un allegro roditore inizialmente chiamato Mortimer Mouse, sarebbe diventato l'icona e la mascotte duratura dell'azienda, Topolino. Il debutto di Topolino in "Steamboat Willie" nel 1928 fu un momento spartiacque, non solo per il neonato studio, ma per l'intera industria dell'animazione, poiché fu il primo cartone animato a presentare un sonoro completamente sincronizzato.

Da questa svolta, il libro traccerà la rapida innovazione dello studio durante la sua Età dell'Oro. La serie "Silly Symphonies" funse da laboratorio per nuove tecniche, introducendo il pubblico a progressi come la macchina multiplo e il Technicolor a tre strisce a colori pieni. Questo periodo di intenso fermento creativo culminò in quello che molti chiamarono "La Follia di Disney": la decisione di produrre un film d'animazione lungometraggio. L'enorme rischio fu ripagato in modo spettacolare con l'uscita nel 1937 di "Biancaneve e i Sette Nani", un film che divenne il maggior incasso del suo tempo e stabilì saldamente l'animazione come forma d'arte cinematografica legittima e potente. Questo successo spianò la strada a una serie di classici d'animazione — "Pinocchio", "Fantasia", "Dumbo" e "Bambi" — che definirono l'apice dell'animazione disegnata a mano.

La narrazione si sposterà poi sugli anni della guerra, un periodo in cui la produzione creativa dello studio fu significativamente alterata dal conflitto globale. L'esercito statunitense requisì una parte dello studio di Burbank, e i suoi artisti furono arruolati per creare film di propaganda, materiali di addestramento e insegne patriottiche con i personaggi amati. Questa era evidenzia il ruolo dell'azienda non solo come intrattenitrice, ma come contributrice allo sforzo nazionale, cementando la sua associazione con gli ideali americani. Il dopoguerra vide un ritorno alla narrazione fiabesca con "Cenerentola", ma anche una cruciale diversificazione nel cinema live-action e, soprattutto, nel nuovo mezzo della televisione. Programmi come "Disneyland" e "The Mickey Mouse Club" portarono il marchio Disney direttamente nei salotti americani, costruendo un pubblico nazionale per il prossimo, e forse più audace, sogno di Walt.

Una parte significativa di questo ritratto è dedicata alla realizzazione di quel sogno: Disneyland. Aperto nel 1955, fu un concetto radicale, un'incarnazione permanente e tridimensionale dei mondi fantastici precedentemente confinati allo schermo. Disneyland era più di un parco divertimenti; era l'invenzione del parco a tema moderno, un ambiente immersivo meticolosamente progettato per raccontare storie ed esperienze condivise. Esploreremo l'immane impresa della sua costruzione e il suo immediato successo, che pose le basi per l'ancora più ambizioso "Progetto Florida", che sarebbe diventato Walt Disney World. Il libro esaminerà gli ultimi anni della vita di Walt Disney, un periodo segnato dal trionfo di "Mary Poppins" e dai suoi piani visionari, sebbene infine irrealizzati, per una città utopica del futuro, EPCOT.

La morte di Walt nel 1966 segnò un punto di svolta profondo. L'azienda entrò in un periodo di incertezza creativa e difficoltà finanziaria, mentre lottava con la perdita del suo visionario unico. La guida passò a suo fratello Roy O. Disney, che garantì il completamento di Walt Disney World, ma la divisione animazione, un tempo il cuore vibrante dell'azienda, iniziò a declinare. Questa era di deriva preparò il terreno per un drammatico scontro societario nel 1984, che portò a una nuova squadra dirigenziale capeggiata da Michael Eisner e Frank Wells. Il loro arrivo annunciò una rinascita societaria e creativa.

L'era Eisner, come venne chiamata, fu un periodo di crescita esplosiva e trasformazione. Vide il rivitalizzazione dello studio di animazione, portando a una nuova età dell'oro nota come Rinascita Disney, che produsse successi da blockbuster come "La Sirenetta", "La Bella e la Bestia", "Aladdin" e "Il Re Leone". Contestualmente, l'azienda espanse la sua impronta nei parchi a tema a livello globale con l'apertura di Tokyo Disneyland e Euro Disney. Si avventurò anche in nuovi ambiti dell'intrattenimento, lanciando The Disney Channel e creando Touchstone Pictures per produrre film per un pubblico più maturo.

Mentre la narrazione avanza nel XXI secolo, l'attenzione si sposta sull'adattamento dell'azienda all'era digitale e sulla sua strategia di acquisizioni aggressive. L'ascesa rivoluzionaria dei film d'animazione al computer è esplorata attraverso la relazione cruciale di Disney con Pixar, una partnership iniziata con "Toy Story" e culminata nell'acquisizione dello studio innovativo da parte di Disney nel 2006. Seguì una serie di acquisizioni da blockbuster sotto la guida di Bob Iger, che succedette a Eisner nel 2005. Gli acquisti di Marvel Entertainment nel 2009, Lucasfilm nel 2012 e di una parte significativa di 21st Century Fox nel 2019 trasformarono Disney in un impero di contenuti senza pari, unendo molti dei franchise più amati e redditizi del mondo sotto un unico tetto societario.

Questo ritratto affronterà anche le complessità e le controversie che hanno ombreggiato il successo dell'azienda. Disney ha affrontato critiche per le sue pratiche lavorative, accuse di perpetuare stereotipi razziali e di genere, e accuse di appropriazione culturale. La sua applicazione aggressiva dei diritti di proprietà intellettuale è stata un frequente punto di contesa, così come i dibattiti sull'impatto culturale della "Disneyzzazione" — la sterilizzazione della storia e della letteratura per adattarle a una particolare identità di marca. Negli ultimi anni, l'azienda si è trovata sempre più invischiata nei dibattiti culturali e politici del giorno, dalla sua posizione sulla rappresentazione LGBTQ+ alla sua risposta alla legislazione politica in Florida, sede del suo resort più grande. Riconoscere queste critiche è essenziale per dipingere un ritratto completo e onesto dell'azienda, riconoscendo che la sua immensa influenza non è stata priva di complicazioni o dissenso.

Gli ultimi capitoli esamineranno l' l'azienda nella sua incarnazione più recente: un titano mediatico globale che naviga le acque turbolente delle guerre dello streaming con il lancio di Disney+, alle prese con le sfide senza precedenti di una pandemia globale, e che celebra il suo centenario nel 2023. Osserveremo le transizioni di leadership da Bob Iger a Bob Chapek e di nuovo a Iger, e considereremo le sfide e le opportunità strategiche che attendono. L'azienda che iniziò con un cartone animato su una bambina in un mondo animato ora opera in quasi ogni angolo del globo, un conglomerato diversificato di parchi a tema, linee di crociera, reti televisive, servizi di streaming e studi cinematografici.

"Disney: Ritratto di un'azienda americana" è quindi una narrazione di creatività e commercio, di arte e industria. È la biografia di un'azienda che per oltre cento anni ha venduto magia e, nel processo, è diventata una forza dominante nel business americano e nella cultura globale. La storia di Disney è una storia di innovazione, adattamento e del potere duraturo della narrazione. È il ritratto di un'azienda che non solo ha riflettuto il sogno americano, ma ha anche, per molti, finito per definirlo.

La storia dell'uomo che avrebbe costruito un impero globale sulla fantasia e la nostalgia inizia, ironicamente, in un cottage di legno a due piani decisamente pratico, in un quartiere operaio di Chicago. Walter Elias Disney nacque il 5 dicembre 1901, quarto di cinque figli, in una casa che suo padre, Elias, falegname, aveva costruito con le proprie mani. Sua madre, Flora, ne aveva persino disegnato i piani architettonici. Elias Disney era un uomo severo e laborioso, che aveva tentato molte imprese, dall'agricoltura alla falegnameria fino al lavoro di costruzione per l'Esposizione Mondiale di Chicago del 1893, con alterne fortune. La vita in Tripp Avenue non era fatta di privilegi; era fatta di disciplina e duro lavoro, valori che Elias cercava di instillare nei suoi figli: Herbert, Raymond, Roy e il giovane Walter.

Preoccupato per la crescente ondata di criminalità e desideroso di un ambiente migliore per la sua famiglia in crescita, che ora includeva una figlia, Ruth, Elias traslocò tutti nel 1906 in una fattoria di quarantotto acri a Marceline, nel Missouri. Questo trasferimento dalla grigia Chicago industriale al bucolico cuore degli Stati Uniti si rivelò la transizione più influente della giovane vita di Walt. I quattro anni trascorsi a Marceline divennero un serbatoio di ricordi idilliaci cui attinse per il resto della carriera. Il fascino della piccola città, le locomotive a vapore della Atchison, Topeka and Santa Fe Railway che tagliavano la campagna, e gli animali da cortile che abbozzava divennero l'immaginario fondativo del suo vocabolario artistico. Fu qui, all'età di sette anni, che secondo quanto riportato fece la sua prima vendita: un disegno del cavallo di un medico locale. Tuttavia, il periodo idilliaco fu breve, poiché la fattoria non riuscì a essere redditizia, e nel 1911 i Disney traslocarono di nuovo, questa volta a Kansas City, Missouri.

Kansas City rappresentava una netta rottura con la libertà pastorale di Marceline. Elias acquistò un giro di consegna giornali per The Kansas City Star e The Kansas City Times, un lavoro massacrante che richiedeva la manodopera dei figli. Le giornate di Walt iniziavano alle 3:30 del mattino, piegando e consegnando giornali prima della scuola, con un altro giro la sera. L'estenuante orario pesò sui suoi studi alla Benton Grammar School, dove era noto per addormentarsi in classe. Eppure, le sue inclinazioni artistiche trovarono uno sbocco. Frequentò corsi del sabato mattina al Kansas City Art Institute e si iscrisse a un corso per corrispondenza di fumetto. Scoprì anche i mondi del vaudeville e della nascente arte del cinema, grazie al suo amico Walter Pfeiffer, la cui famiglia era appassionata di teatro.

Nel 1917, la famiglia tornò a Chicago dopo che Elias investì in una fabbrica di gelatine. Walt si iscrisse alla McKinley High School, dove contribuì con vignette patriottiche al giornale scolastico e seguì corsi serali alla Chicago Academy of Fine Arts. Il mondo era coinvolto nella Grande Guerra, e un fieramente patriottico Walt, desideroso di avventura, tentò di arruolarsi nell'esercito. Respinto perché aveva solo sedici anni, non si diede per vinto. Con un piccolo aiuto da sua madre e una data falsificata sul certificato di nascita, entrò nel Corpo Ambulanze della Croce Rossa nel settembre 1918.

Sbarcato in Francia proprio mentre veniva firmato l'armistizio, l'anno di Walt all'estero fu meno incentrato sugli orrori della guerra e più sulla camaraderia e le marachelle della gioventù in terra straniera. Passò il tempo ad autista per ufficiali e a fare consegne, ma il suo impulso artistico rimase. La sua ambulanza divenne la sua tela, ricoperta non di mimetica ma di disegni, e riuscì a far pubblicare alcuni suoi lavori sul giornale dell'esercito, Stars and Stripes. Quest'esperienza allargò i suoi orizzonti, lo espose a una cultura diversa e gli diede un assaggio di indipendenza che non aveva mai conosciuto sotto la severa supervisione del padre.

Tornò a Kansas City nell'ottobre 1919, ora diciottenne e determinato a guadagnarsi da vivere come artista. Suo fratello Roy lo aiutò a ottenere un lavoro temporaneo come apprendista al Pesmen-Rubin Commercial Art Studio. La paga era modesta, ma la posizione si rivelò inestimabile per un altro motivo: fu qui che incontrò Ubbe Iwwerks, un artista silenzioso ma prodigiosamente talentuoso di origini olandesi che preferiva farsi chiamare Ub Iwerks. I due adolescenti, entrambi licenziati dopo le festività, strinsero rapidamente un legame e decisero di mettersi in proprio, creando la effimera Iwerks-Disney Commercial Artists nel gennaio 1920.

L'impresa faticò ad attrarre clienti, e nel giro di un mese Walt accettò un lavoro alla Kansas City Film Ad Company per avere un reddito fisso; Iwerks lo raggiunse poco dopo. Fu una mossa cruciale. L'azienda produceva brevi pubblicità animate proiettate nei teatri locali. Qui, usando la tecnica dell'animazione a ritaglio, Walt fu formalmente introdotto al mezzo che avrebbe definito la sua vita. Prese in prestito una macchina da presa e libri sull'argomento, tra cui The Horse in Motion di Eadweard Muybridge e Animated Cartoons di Edwin G. Lutz, e iniziò a sperimentare in un garage nel tempo libero.

Affascinato dalle possibilità dell'animazione, Walt convinse presto il suo capo, A.V. Cauger, a lasciargli provare l'animazione su cel, una tecnica più fluida, ma le sue ambizioni superarono rapidamente i confini dell'azienda pubblicitaria. Iniziò a creare i propri cortometraggi animati, che vendette al locale Newman Theater. Presentati come "Newman's Laugh-O-Grams", erano brevi animazioni di attualità che prendevano bonariamente in giro questioni locali. La loro popolarità spinse Walt a mirare più in alto. Si licenziò nella primavera del 1922 e, con circa 15.000 dollari raccolti da investitori locali, costituì la Laugh-O-Gram Films, Inc. il 23 maggio 1922.

Affittò una serie di stanze al secondo piano del McConahay Building e assemblò un piccolo team entusiasta di giovani artisti, tra cui il suo amico Ub Iwerks e futuri pionieri dell'animazione come Hugh Harman, Rudolf Ising e Friz Freleng. Le loro produzioni iniziali furono una serie di fiabe modernizzate, tra cui Cappuccetto Rosso e Cenerentola. Lo studio era un luogo di energia giovanile e fervore creativo. Walt era un leader carismatico, che ispirava lealtà e duro lavoro nel suo piccolo staff. Stavano imparando sul campo, spingendo i confini di quella che era allora una forma d'arte molto nuova.

Tuttavia, la visione creativa di Walt superava di gran lunga il suo acume imprenditoriale. Le finanze dello studio furono precarie fin dall'inizio. Un colpo duro arrivò da un accordo di distribuzione che si rivelò la sua rovina. Walt ottenne un contratto con una compagnia di New York, la Pictorial Clubs, Inc., per sei cortometraggi animati per un promesso di 11.000 dollari. L'accordo sembrava la salvezza dello studio, ma il distributore era una truffa. Dopo aver ricevuto solo un anticipo di 100 dollari, la Pictorial Clubs fallì, lasciando la Laugh-O-Gram con una montagna di debiti e nessun reddito.

Il collasso finanziario fu devastante. Alla fine del 1922, lo studio non riuscì a pagare gli stipendi, e il talentuoso staff iniziò ad andarsene. Walt fu ridotto a vivere in ufficio, mangiando fagioli freddi dalla scatola e facendo il bagno settimanale alla Union Station. Prese piccoli lavori su commissione per restare a galla, incluso un film per un dentista locale intitolato Tommy Tucker's Tooth. Secondo la leggenda, fu in questo periodo buio che fece amicizia con un piccolo topo che abitava il cassetto della sua scrivania, una creatura che in seguito avrebbe fornito l'ispirazione per la sua creazione più famosa.

Nonostante le circostanze disperate, Walt intraprese un ultimo, ambizioso progetto nel tentativo estremo di salvare il suo studio. Decise di creare un film pilota che fondesse live action e animazione, una novità che sperava avrebbe attratto un nuovo distributore. Il film, intitolato Alice's Wonderland, presentava una giovane ragazza del posto, Virginia Davis, che entra in un mondo animato. Era un concetto innovativo, ma fu troppo poco, troppo tardi. La Laugh-O-Gram Films dichiarò ufficialmente bancarotta nel luglio 1923.

A ventun anni, Walt Disney era un fallito. Il suo primo studio era sparito, il suo staff si era disperso ed era al verde. Molti avrebbero abbandonato del tutto il sogno dell'animazione. Ma quell'esperienza, per quanto dolorosa, aveva forgiato in lui una resilienza e una profonda comprensione dell'importanza della solidità finanziaria e, cruciale, della proprietà delle proprie creazioni. Con l'ultima bobina del film — il completato Alice's Wonderland — in valigia e appena 40 dollari in tasca, comprò un biglietto di sola andata per la California. Suo fratello Roy era già lì, in convalescenza dalla tubercolosi. Il piano iniziale di Walt era lasciare l'animazione e diventare regista di film in live action. Hollywood, la fiorente capitale dell'industria cinematografica, lo chiamava come luogo per un nuovo inizio. Il nativo di Chicago che aveva trovato la sua voce nel Missouri si dirigeva a ovest, ignaro che il suo più grande fallimento stava per diventare il catalizzatore del suo successo definitivo.